フリージャズとは？歴史・特徴と名盤まで初心者向けに解説

フリージャズと聞くと、「難しそう」「なんだか混沌としていてうるさい音楽？」といったイメージをお持ちの方もいらっしゃるかもしれません。

フリージャズとは何か、その歴史や音楽的な特徴について知りたいと思っても、どこから手をつければよいか迷うこともあるでしょう。

また、代表的な巨匠や、まず聴くべき名盤、初心者向けの聴き方、さらには日本のフリージャズシーンについても気になるところでしょう。

私自身、ジャズの他のジャンルと比べて、最初は少し戸惑いを感じたことがあります。

この記事では、フリージャズというキーワードで検索されている方々が持つそうした疑問に寄り添い、その本質や魅力をできるだけわかりやすく解き明かしていきます。

この記事を読むことで、以下の点について理解を深められます。

フリージャズの定義と音楽的な特徴
フリージャズが誕生した歴史的背景
代表的な巨匠たちと歴史的名盤
初心者でも楽しめる聴き方のコツ

フリージャズとは？その本質と歴史

ここでは、フリージャズがどのような音楽であり、どのような背景から生まれ、誰によって牽引されてきたのか、その本質と歴史の概要を見ていきましょう。

フリージャズとは？その定義

フリージャズとは、1950年代後半から1960年代にかけて登場した、前衛的なジャズのスタイルを指します。

その最大の定義は、従来のジャズが持っていた厳格な「ルール」からの解放にあると考えられます。

具体的には、あらかじめ決められたコード進行（ハーモニー）、一定の拍子（メーター）、そして「テーマ→ソロ→テーマ」といった定型的な楽曲構成（フォーム）などの制約を意図的に放棄し、演奏者の即興性と感情表現を最大限に優先するスタイルです。

ただし、これは「無秩序」や「なんでもあり」ということではありません。

従来のルールとは異なる、新しい論理や美学に基づいた、高度に知的な音楽的試みだったと言えるでしょう。

従来のジャズとの決定的な違い

フリージャズがどれほど革新的だったかは、それ以前のジャズと比較すると明確になります。

例えば「ビバップ」は、即興演奏が主体である点は共通していますが、その即興は非常に複雑なコード進行という「設計図」に厳格に縛られていました。

次に登場した「モーダル・ジャズ」は、コード進行の束縛を緩め、「モード（旋法）」というより自由度の高い枠組みを導入しましたが、まだ「枠組み」自体は存在していました。

フリージャズは、そのモーダル・ジャズが残した最後の枠組みさえも取り払い、完全な「自由」へと踏み出したのです。

リズムセクションも一定のビートを刻む役割から解放され、全員が対等に音の対話に参加するようになりました。

音楽的な特徴と即興演奏

フリージャズの音楽的な特徴として最も重要なのが「集団的即興演奏（Collective Improvisation）」です。

従来のジャズが「伴奏の上でソロイストが順番に演奏する」という形式が多かったのに対し、フリージャズではバンドメンバー全員が同時に、互いの音に耳を傾け、反応しながら即興的に音楽を創り上げていきます。

これは「音による対話」とも言え、非常にスリリングな展開が魅力です。

また、サウンド面では、コード進行という調性的な基盤を失った結果、しばしば「アトーナル（無調性）」な響きを持ちます。

サックスを意図的に強く吹いて奇声のような音を出す「オーバーブロウ」や、叫び声に近い「フリーキー」なトーンなど、従来の「美しい音」の概念を拡張するような特殊奏法も多用されました。

フリージャズ誕生の歴史的背景

フリージャズの誕生は、1950年代後半から1960年代のアメリカという時代と分かち難く結びついています。

音楽的には、ビバップやハード・バップのコード進行が極度に複雑化し、ミュージシャンたちが「制限的すぎる」と感じ、ルールからの解放を求める内的な欲求がありました。

社会的には、公民権運動が最も激しかった時代と完全に一致しています。

人種差別構造からの「解放」や社会的な「自由」を求める当時の黒人コミュニティの希求が、音楽における「構造からの解放」を求めるフリージャズの精神と深く共鳴した、と分析するのが自然でしょう。

フリージャズは、まさにその時代の「音」だったと考えられます。

音楽を牽引した代表的な巨匠

フリージャズというジャンルは、特定の統一されたスタイルではなく、むしろ「自由」への異なるアプローチを体現した、偉大なパイオニアたちによって定義されました。

中でも特に重要な「四大巨匠」と呼ばれる人物がいます。

オーネット・コールマン
1960年のアルバム『Free Jazz』で、その名もなきムーブメントに「名前」を与えた先駆者です。プラスチック製のサックスを用い、ピアノレスの編成でハーモニーの束縛から解放されたメロディを追求しました。
ジョン・コルトレーン
ビバップからモーダル・ジャズまで、すべてを極めた巨人が、キャリアの後半にフリージャズの領域に足を踏み入れました。彼のフリージャズは「スピリチュアル（精神的・霊的）」な探求と不可分に結びついていたのが特徴です。
セシル・テイラー
クラシックの現代音楽の素養を持つピアニストです。ピアノを「88のチューニングされたドラム」と見なすかのような、極めて打楽器的な奏法で、高エネルギーかつ知的なフリージャズを展開しました。
アルバート・アイラー
テナーサックスによる、泣き叫ぶような強烈なヴィブラートと、剥き出しの感情表現を特徴とします。彼の演奏は抽象的ながらも、ゴスペルや聖歌といった民俗的なルーツを感じさせるものでした。

これら四者は、「理論」のコールマン、「精神」のコルトレーン、「学術」のテイラー、「感情（原始）」のアイラーと、フリージャズに至る異なる道筋を象徴していると言えるでしょう。

フリージャズの聴き方と後世への影響

フリージャズの歴史や特徴がわかったところで、次に「では、どう聴けばよいのか？」という実践的な部分と、この革新的な音楽が後世に何を残したのかについて見ていきましょう。

まず聴くべき歴史的名盤

フリージャズを理解するうえで欠かせない、その概念を定義し、発展させた歴史的なアルバムがいくつかあります。

Ornette Coleman 『The Shape of Jazz to Come』 (1959年)
タイトル通り「来るべきジャズの形態」を世に問うた、フリージャズの「提案」の書です。ピアノレス編成によるメロディの解放が聴きどころで、特に「Lonely Woman」は叙情性も併せ持っています。
Ornette Coleman Double Quartet 『Free Jazz』 (1960年)
ジャンル名を決定づけた「マニフェスト（宣言）」です。2つのカルテットが左右のチャンネルで同時に即興演奏を行うという、前代未聞の作品です。
Albert Ayler Trio 『Spiritual Unity』 (1964年)
アイラーの代表作。サックス、ベース、ドラムのトリオ編成で、フリージャズの「感情の核」を最も純粋な形で抽出したような作品です。
John Coltrane 『Ascension』 (1965年)
コルトレーンがフリージャズへ「決定的に」移行したことを示す、大編成による爆発的な集団即興演奏です。ジャズ界の巨人の合流は、ムーブメントの頂点（クライマックス）を象徴しています。
Cecil Taylor 『Unit Structures』 (1966年)
テイラーの「ユニット構造」という理論を体現した作品。高エネルギーな即興の中に、現代音楽的な「知性」と「構造」を感じさせます。